从街舞少年到电影剪辑界的领军人物，张一博的职业生涯仿佛是一场跨越艺术领域的奇妙旅程。他对节奏的敏锐感知，不仅让他在街舞舞台上熠熠生辉，更引领他在电影剪辑的广阔天地中自由翱翔。《少年的你》、《夺冠》、《热烈》、《年会不能停》、《只此青绿》、《捕风追影》……这些耳熟能详的佳作背后，都留下了张一博的精妙剪裁。他凭借《少年的你》荣获金鸡奖最佳剪辑殊荣，今年二月又因《捕风追影》提名香港电影金像奖最佳剪辑，第十六届北京国际电影节上，他更是以创投训练营导师的身份，为青年影人点亮了创作之路的明灯。

剪辑，作为电影诞生的关键一环，其重要性不言而喻。剪辑师如同时间的魔术师，在时间轴上巧妙排列镜头，如同舞者在节拍中精准组合动作，他们默默隐藏在作品背后，让观众沉浸于故事之中，忘却剪辑的存在。那么，如何构建一个庞大的叙事体系？如何在素材的精炼与直觉的重塑之间找到平衡点？又如何将节奏感巧妙融入每一帧画面的取舍之中？

以下，是张一博的独到见解。

Q：在影视作品中，剪辑师和剪辑指导具体承担哪些职责？一个剪辑团队通常是如何构成的？

A：剪辑工作其实从拍摄之初就已悄然展开，它是后期制作的第一道关卡。现场剪辑师负责初步搭建每场戏的架构，确保没有遗漏的镜头。回到酒店后，驻组剪辑会进行更为细致的整理工作。拍摄结束后，剪辑师会与导演在后期机房共同进行正式剪辑，定剪后再进入声音、视效等制作环节。剪辑助理则负责合板、对声音、整理素材文件等琐碎工作，一些后期公司还会设有专门人员负责校对字幕、输出成片等工作。

当然，具体情况也因项目而异。比如《奥本海默》的剪辑团队就多达十八人，这主要是因为其采用IMAX胶片拍摄，涉及复杂的胶片处理流程。

Q：您本科学的是对外汉语，后来是如何走上剪辑这条道路的？

A：我本科专业是对外汉语，主要教授外国人中文。高中时我的古文成绩并不理想，大学时只能硬着头皮学习，专业成绩也并不突出。但如今回想起来，那段经历却让我看待问题的角度变得更加独特。文学是一切艺术的基石，电影也不例外，它同样将剧本置于首位。

大学期间，我掌握了一些Premiere的基础操作，一次新闻系的朋友找我帮忙剪辑一支MV，过程中我感受到了前所未有的快乐和成就感，仿佛发现了自己的新天地。后来，我又为班级拍摄、剪辑了留念视频，得到了同学们的鼓励和认可，他们说我可能在这方面有些天赋。于是，我决定报考北电摄影系的进修班，并有幸成为了我导师的学生，后来在他门下继续攻读研究生，逐渐踏入了剪辑行业的大门。

Q：据徽声在线了解，您从十五岁就开始跳街舞，这段经历对您的剪辑工作产生了哪些影响？

A：街舞对我的影响可谓深远。我从初三开始在昆明跳舞，与大婷、李琰、雷晓阳（《这！就是街舞》的选手）等好友一起度过了无数欢乐时光。我们不仅参加比赛，还经常参与cypher等活动。

大鹏导演找我剪辑《热烈》，或许正是因为他知道我曾有过街舞经历。在最初开会时，我提出希望镜头能够尽量贴近舞者，多用广角低机位拍摄。因为在我看来，观看battle最激动人心的时刻，就是坐在台边，从低角度欣赏舞者在你面前飞跃的瞬间。我们希望通过这种角度设置，让观众感受到那种现场的热烈氛围。《热烈》所传递出的热情和能量，很大程度上就来源于这种独特的镜头语言。

跳舞的人对节奏有着天生的敏感。剪辑一场戏就像编排一段舞蹈，哪里该停顿、哪里该加速、哪里该给观众一个喘息的机会、哪里该一气呵成，这些判断很多时候都是身体先于大脑做出的反应，手已经不自觉地剪了下去。

Q：您是如何与《少年的你》结缘的？获得金鸡奖时您有何感受？

A：最初是在朋友的引荐下，我剪辑了曾国祥导演的广告《霹雳爸妈》，这部广告也与舞蹈有关。他们看完后非常认可我的工作，于是又将我推荐给了陈可辛导演，让我剪辑了iPhone贺岁短片《三分钟》。之后，我便有幸参与了《少年的你》的剪辑工作。

从广告剪辑到电影剪辑的转变过程中，我得到了许多前辈的悉心指导。朋友周肖林（代表作《热辣滚烫》《孤注一掷》）一直从事电影剪辑工作，我向她请教了许多问题。还有剪辑《智取威虎山》的于柏杨老师，我曾在微博上直接向他求助，希望他能介绍几个助理给我。他当天就回复了我，直到今年我们才第一次线下见面。剪辑师们真的非常朴实单纯，他们总是毫无保留地分享自己的知识和经验，这让我深受感动。

初生牛犊不怕虎，获得金鸡奖时我并没有特别紧张或激动的感觉。现在回想起来，那时的自己真是胆大包天。获奖后再接新项目时，我开始感到有些恐慌，因为一部好片的诞生是大家共同努力的结果。当身边的伙伴不在时，我会怀疑自己是否能够独当一面。但后来我逐渐静下心来，潜心学习，努力提升自己的能力，以配得上奖项带来的一切荣誉和责任。

Q：您曾提到剪辑工作中“直觉”非常重要，这是一种天赋还是后天可以训练出来的能力？

A：这也是我一直在思考的问题。有时我会担心自己的直觉是否在逐渐流失，想要把它找回来。随着年龄的增长，我看东西的速率、关注的点都发生了变化。就像声音一样，到了一定年龄有些频率就听不到了。画面也是如此，一些颜色、细节可能就看不见了。剪辑也是一样，当你长大了、懂了很多道理、似乎明白了生活的意义时，那种年轻时最直观的提取能力反而消失了。

有时我也说不清到底是天赋还是经验在起作用。直觉和经验似乎是一种此消彼长的关系，随着经验的积累，直觉可能会逐渐减弱。找到它们之间的平衡点，是我一直在努力学习的课题。

Q：您接片的标准是什么？如何与不同的导演展开合作？

A：剧本当然是一个重要的考虑因素，但说实话，我更多还是看人。我特别在乎与合作伙伴是否同频，如果同频的话，工作起来就会非常舒服。比如《捕风追影》的杨子导演，我们本来并不认识，但吃了一顿饭聊完天后，我就决定接下这个项目，因为感受到了与他的同频。后来在工作中，他对我的包容和关心也让我非常感动。

我以前情商特别低，合作中有些话会说得很直白，不利于对方接受。现在我会采用一些技巧，比如先尝试导演的方案，如果不行再试我的。如果是很熟的导演，我也会直接说出我的想法，他们通常也会听取我的意见。还是要根据合作对象的特点灵活调整沟通方式。

Q：不同题材的剪辑思路差别大吗？您有什么想尝试的题材吗？

A：很多剪辑方法在本质上是共通的。以动作片《捕风追影》为例，我们在时间线上剪了五千多刀，因为剧本全是平行蒙太奇手法，每一场戏起码在三四个时空不停跳跃，包括警察局、绑匪、行动的警察、暗中观察的人等四个场景来回穿插。剪到最后手都痛了。

我特别想尝试剪辑恐怖片。我是恐怖片的忠实爱好者，我认为恐怖片最吓人的时候往往不是直接吓人的时刻，而是死寂、未知的时刻。我还想尝试动画剪辑，因为我身边做动画的同事都是非常单纯、心无杂念的人，他们的作品都充满了趣味和创意。

Q：您曾说剪辑师要尽量保持客观、尽量不去片场，这是为什么？

A：如果参与太深入就会失去理性判断的能力。如果你去了片场，看到大家拍了两天、淋着雨在泥坑里滚来滚去，就会觉得这场戏太重要了一定要留下。但可能它真的并不重要。你不去片场，才能冷酷地把它剪掉。当时的心情并不代表素材呈现出来的东西，场域不同、人的心理状态完全不同，对节奏的把控也会受到影响。不过我现在又觉得去现场也还好，去也有去的好处，人是一直在变化的。

Q：自媒体、AI的流行对剪辑行业影响大吗？

A：短视频、自媒体的普及确实拓宽了影像创作的边界。很多创作者没有经过专业学习，他们的技术可能略显粗糙，但他们抓取注意力、把控画面节奏、搭配配乐的能力却十分出众，叙事感染力也不输专业从业者。各行各业都隐藏着许多有影像天赋的人才。

AI的使用则是一个关于“性价比”的问题。剪辑很多时候看重的是细节处理，AI可以完成一些基础的标准化工作并达到一个中等的性价比水平，但它很难兼顾到所有细节，因此很难产出顶尖的成片作品。我们现在用得最多的是AI配音改词、调整叙事脉络、补充转场钩子等功能，还有就是缺镜头的时候生成一些作为参考。

Q：您有什么给青年影人的建议吗？

A：我在北影节创投训练营的时候曾说过，最重要的是要跳出去看问题。站在更高远的位置审视整部片子，放下你在头脑中琢磨了一万遍的那些想法和寓意，跳出来后你就会知道问题所在。但后来我又想，我们只能给年轻人建议而不能给他们意见，因为他们所处的时代与我们完全不同，他们需要试出自己的道路来。我们也可以从他们身上汲取养分和灵感。还是要让年轻人遵从自己的内心、回归到心流状态中去，这可能是最有效的创作方法。就像跳舞一样，你学了再多招式最后上场的时候还是要靠音乐、靠身体、靠那一刻最真实的反应来决定一切。剪辑也是如此。

策划/李祺

撰文/蔡一宁